Y es para que vea que cualquier película es como un descubrimiento: cambia la concepción que tenemos del cine mismo, de nosotros, de nuestro país y del momento actual. Con muchas de estas películas se lee la realidad y se lee que nosotros creamos razones para aprobar o desaprobar una película.
Seguimos con:
9. Ninfómana (volumen 1 y 2). De Lars Von Trier. Teníamos que meter al alemán favorito de la filosofía, aparte de Kant. Después de este mal chiste, tenemos una película sobre una mujer, cuya adicción al sexo es la mayor parte de sus aventuras y la peor de sus desventajas. Jo, interpretada por Charlotte Gainsbourg, cuenta su vida y emociones al solitario Seligman (el maravilloso Stellan Skarsgard), lo cual sirve como catarsis para ambos y como el conocimiento de una nueva perspectiva sobre las relaciones, el placer, el amor, el dolor, la venganza y la adaptación a la sociedad.
Las dos posiciones de la película son:
- Ninfómana es una película que trata de sexo, pero que muestra muy poco sexo. Hay dos o tres escenas rápidas y que no muestran la vida de una ninfómana. La película teoriza sobre el sexo, pone imágenes imposibles sobre lo que piensan las mujeres y no hay una identificación con ningún personaje. No hay alguien como Seligman o como la ninfómana, por lo que está mal el artificio que emplea Von Trier. Algunas escenas son injustificadas, como cuando exploran la relación de Jo y sus padres. Es una pésima película de sexo y una película regular de cine de arte. Es mucho más eficiente La Pianista, en la relación de una mujer y el sexo. Esta es una masturbación mental y pseudo filosófica.
- En Ninfómana hay una exploración de la psique femenina, del amor, el cuerpo, la forma en que algo no es placentero o prohibido. Von Trier explora los rostros del género y del sexo. Pone algunos artificios como los opuestos, pero no cae en el maniqueísmo ni en decir que algo es cien por ciento bueno o cien por ciento malo. Von Trier desafía al espectador a no quedarse en un comportamiento sexual, sino a observar a una persona en su circunstancia y en la evolución de sus creencias y su comportar.
10. Relatos salvajes. Damian Szifron dirige un largometraje compuesto de historias cortas. El tema es la motivación de la acción por los instintos más pedestres del ser humano: la pasión, venganza, la frustración, la falta de reconocimiento, la idiocia, la corrupción, la codicia. Muchas de estas historias nos muestran personajes desagradables, iracundos, en algunos momentos estúpidos, pero ciertamente muy humanos.
Los polos de esta película son:
- Algunas de las historias son ingeniosas (Bombita, Pasternak, Las ratas), otros de los relatos son medianamente buenos, pero no llegan a impactar como el principio. La película se cae al final o sobre expone muchos de los vicios que ya había atacado. Sabemos que hay que mostrar personajes patéticos o desagradables, pero no siempre están bien logrados los relatos en comparación con las personalidades de los que son protagonistas.
Ahora bien, la película se parece a Fe, esperanza y caridad de Luis Arcoriza, no es que sea algo malo o bueno, pero la película de Arcoriza expone, de manera mucho más eficiente y emotiva, a los personajes, sus creencias, conflictos y equivocaciones. Los muestra mucho más humanos que exagerados y trata de profundizar en ideas como la religión, el castigo para purificarnos y la muerte.
Es un poco más fresca la película de Arcoriza en narrativa y exploración de la psique humana que la de Szifrón. Por momentos parece que sólo desea polemizar y grabar imágenes, en vez de entender a los personajes y sus decisiones. Los relatos pequeños, son un lenguaje de la narrativa latinoamericana.
- Relatos salvajes es un película que lo va a escandalizar, que deja un sabor agridulce en cada uno de sus cortos. Tiene imágenes y situaciones para analizar más de dos veces, es poderosa en cuanto a conflictos y muestra, aunque con cierta exageración, que el ser humano se mueve por bajas pasiones, por resentimiento, por venganza y que sólo piensa en si mismo, nunca en los demás. Las historias son breves y se pueden ver por separado o todas juntas, como capítulos de libro.
11. Despertares. El guión está basado en el libro homónimo de Oliver Sacks, que murió recientemente. Trata sobre un paciente, interpretado por Robert De Niro, que es diagnosticado de encefalitis letárgica, que es una enfermedad que quien la sufre entra en un estado de inmovilidad, fatiga o movimientos erráticos. Un doctor, el cual es personificado por Robin Williams, llega a trabajar a la institución en donde está internado este paciente. Con una investigación científica centrada en la prueba de la droga L-dopa, el doctor ayudará a su paciente a vivir nuevamente, a despertar de su enfermedad, dado que esa es la figura retórica del título. Dirige Penny Marshall.
- Un problema de la película es que no hay un tratamiento riguroso del método científico, ni del dilema de la investigación con humanos. Es un asunto que ni siquiera se menciona, porque se centra en una historia de crecimiento espiritual, de atreverse a vivir y de entender que el despertar no es mas que una actitud ante la vida, no una enfermedad del alma.
Pero, nos olvidamos que la enfermedad es física y que, por mucho que hubiera amor, atención médica, cuidados para los enfermos, la enfermedad no cedería por pura fuerza del espíritu o de voluntad. El acontecimiento se diluye por el mensaje optimista que la película nos empuja por la garganta, negando la posibilidad de empatía. Por muy difícil que sea la enfermedad de un ser humano, es un factor incontrolable y nada tiene que ver con su estilo de vida o personalidad. La enfermedad no te vuelve bueno, ni víctima, ni mártir, es un hecho de la vida, algo que le pasa a alguien y por lo que tiene que ser ayudado.
- Ahora bien, Despertares es una narración de la relación médico paciente. La problemática del paciente es un factor que provoca la catársis en el médico. Médico y paciente se ayudan mutuamente al salir de su condición. El médico se interesa por el paciente olvidado, por aquello que no es normal y despierta su curiosidad, pero descubre que al que ayuda es a él mismo. Despierta a la vida, porque tarde o temprano la vida lo alcanzará.
12. Los olvidados. De Luis Buñuel. Cuenta la historia de Pedro, un niño que es producto de una violación y al cual su madre no quiere ni cuida. Pedro recorre las calles del centro y sus alrededores con un grupo de niños y jóvenes, entre los cuales hay historias tan trágicas como la suya. Cuando Pedro conoce al Jaibo (interpretado por el enorme Roberto Cobo), sus historias se cruzarán por una venganza perpetrada por este villano.
- La película muestra un imagen de México que es falsa. Las personas pobres tienen dignidad, son trabajadoras, son pobres por destino, no por elección. En general así no es México y menos retratado por un director español.
Hay que recordar que la película a menudo se contrasta con las películas de Ismael Rodríguez, que han contribuido con el problema de la identidad del mexicano. En las películas de Rodríguez los ricos son malos y los pobres son buenos. Los pobres son víctimas de su destino y nunca pueden cambiar su circunstancia.
- Buñuel muestra un México en donde los pobres siempre están enojados, siempre tienen hambre, no sólo de alimento, sino de algo por qué luchar, de justicia, de reconocimiento y cariño. Es un cariño que es arrebatado, un reconocimiento que jamás llega y una circunstancia de la que son presos, de la que podrán escapar sólo con la muerte.
Buñuel retrata a un México que nunca ha muerto, que no ha cambiado con el tiempo. Estos chicos son nuestros, son hijos de este país, de este tiempo y nosotros los hemos olvidado. Siempre los olvidaremos y los defraudaremos aún más.
13. El Pianista. Dirigida por Roman Polanski. Narra la historia de un músico, interpretado por Adrian Brody, que al ocurrir el Holocausto busca estrategias de sobrevivencia, que van desde la ayuda de sus semejantes, hasta la música misma.
- El pianista es una obra apasionante, que muestra que el espíritu humano es más fuerte que la adversidad, que, siempre hay que seguir adelante, con lo que hacemos, con el ritmo de nuestra vida y nuestro corazón. Es la gran metáfora que usa.
- El pianista, cuyo ritmo es lento que se siente la desesperación... pero porque acabe la película. Por momentos es lenta y además, apela a algo que no habíamos visto: que hay eventos fortuitos, casualidades, por las que uno sobrevive, pero no siempre son tomadas en cuenta cuando hay una amenaza a la vida misma. No es la gran película, es ciertamente aburrida y poco emotiva. Adrian Brody como protagonista, sólo pone una cara de sufrido y de llanto, dependiendo de la circunstancia, lo cual no es la gran actuación.
14. Precious. El director de esta película es Lee Daniels. Narra la vida de Clarice Precious Jones, quien en su adolescencia tiene que soportar abusos de sus padres, burlas por su obesidad mórbida y encima un embarazo adolescente, además de un entorno cada vez más tóxico, del cual no puede escapar.
- Precious es un vivo retrato de la discriminación, del sufrimiento. Una protagonista diferente, que aunque tenga todo el mundo en contra, persigue el anhelo de vivir. Trata de superarse, de ser alguien y de salir de la vida que lleva.
- Precious no es más que una película de explotación con miras a divulgar los problemas de los afroamericanos. Es pornografía emocional, una telenovela con escenas crudas para que alguien se conmueva, se escandalice, pero en realidad está siendo presa de una manipulación. Una fórmula lacrimógena, personajes olvidables y un conflicto que es un secreto a voces para los racistas: las personas de color viven así, pero por su misma condición, jamás podrán salir de ese entorno. Y no harán nada para remediarlo.
15. Harold y Maude / Portero de noche. Traigo a colación ambas películas porque ambas tratan de las vicisitudes de los amantes, cuando son presuntamente opuestos y cuando hay muchas dificultades, como su entorno o sus personalidades o gustos, para que puedan realizar su amor. Dirección: Hal Ashby y Liliana Cavani, respectivamente.
- Ambas películas son historias de amor atípicas, que buscan unir a las personas en sus rarezas, sus fascinaciones, sus emociones y pasiones irracionales. Son películas que celebran el amor, la vida y el rebelarse ante situaciones que los alienan y los han marcado por dentro. No son historias románticas, son historias que observan los sentimientos humanos, la vida en sus más emocionantes consecuencias.
- Ambas películas tratan de personajes insoportables. Mujeres jóvenes que actúan como viejas y mujeres viejas que actúan como jóvenes. Es una falsa polémica, aunado a un mensaje edulcorado sobre el amor y la vida. Ambas películas son fallidas en cuando a la trama, el simbolismo, la pareja protagónica y la comedia negra o la supuesta oscuridad. Sólo es hacer como que nos metemos en problemas porque queremos ser transgresores, mas sólo son películas anodinas, efectistas, hijas de un movimiento y de directores que no supieron comunicar su mensaje, sólo hacer el ruido necesario.
16. El lenguaje de los Machetes. De Kyzza Terrazas. Este director nacido en Kenia, pero que vive en México, nos cuenta la historia de una pareja cuyos nombres son Ray y Ramona. Ambos quieren cambiar su circunstancia, él con un discurso y un cambio de entorno. Ella, con la música y con el acercamiento a su amado, sin embargo, al no contar con las herramientas ideológicas y de acción, planean un atentado terrorista.
- El lenguaje de los Machetes es la película de un individuo politizado, que no tiene idea de qué protesta y de lo que tiene qué hacer para organizarse. Es el ingenuo que no reconoce que lo es. Es un discurso inconsciente sobre el clasismo maniqueo. Ray rechaza que es una persona con dinero, pero cuando es confrontado, se refugia en su mismo entorno. Ramona, por ser pobre y de un estrato bajo, es ciertamente buena, ingenua, talentosa y protectora... es la novia abnegada que será después la madre abnegada. El final no se entiende claramente y hay una confusión entre actuar mal y ser natural de la que adolece el mal llamado nuevo cine mexicano.
- El lenguaje de los Machetes es una historia de amor, en donde dos individuos tratan de sobrevivir lo duro que es crecer, a lo duro que es llevar una relación estancada en la monotonía. Una crisis de conciencia, porque no saben qué hacer, cómo actuar, a dónde ir, pero que quieren dejar huella, trascender, conservar su amor, aunque sea con un acto sumamente destructivo.
17. El discurso del rey. De Tom Hooper. Trata sobre la historia de rey George, cuyo tartamudeo le impide hacer uso de la palabra en actos públicos. Un rey tartamudo es juzgado duramente porque podría ser considerado débil. Ante muchos remedios y técnicas que empeoran su estado, la esposa del rey contacta a un profesor peculiar: el actor retirado e incipiente terapeuta, Lionel Logue.
- El discurso del rey es básicamente Rocky. Pero en vez de pelear, vemos a un tartamudo haciendo muecas, bailes, actuaciones y diciendo groserías. Este Rocky vence su tartamudeo, lo cual ayudo mucho para la guerra con los nazis. Esto último es sarcasmo. Geoffrey Rush, que interpreta a Lionel Logue, sale de su mismo papel en todas las películas: hombre de época, con mucha clase, pero revolucionario y algo excéntrico. Sólo cambia que actúa con Colin Firth.
- El discurso del rey es una invitación a conquistar nuestros miedos, romper con los roles que nos han impuesto, luchar contra nosotros mismos, nuestro pasado, nuestra debilidad, nuestra familia, para poder ser una versión mucho más libre y mucho más honesta de nosotros mismos. La confrontación es mediante la pedagogía, pero la pedagogía presupone el conocimiento de uno mismo, con una educación liberadora, un maestro que nos apoye, no sólo con sus retos, sino con un acercamiento como persona. Tal vez, ese maestro, se convierta en nuestro amigo.
18. El abogado del crimen. Película dirigida por Riddley Scott. Narra la historia de un abogado que hace su fortuna de defender a delincuentes y capos. Pronto se ve consumido por los problemas, la maldad y el entorno de las víctimas de sus clientes. El abogado comprende, demasiado tarde, que el crimen sin consecuencias no es solo una imagen imposible, sino destructiva.
- El abogado del crimen es una película lenta, ciertamente aburrida, que no se decide por denunciar a los criminales. Por un lado, los presenta como personajes Shakesperanos, por otro lado, los presenta como villanos con pésimo gusto y algo estúpidos en su comportar y sus pasiones. Es una película fallida, de un buen director, de la cual falta ejecución y tiene actuaciones completamente olvidables. No agrega nada a la lectura del crimen organizado, es sobreexpositiva (ya sabemos que es la maldad, sabemos que hay violencia en los estados, sabemos que parte es por el gobierno) y en momentos, parece una apología a esos villanos.
- El abogado del crimen es una historia de maldad. La maldad de quien menos esperas es lo que permite el auge de una empresa tan deleznable como el crimen organizado. Hay un personaje, el de Malkina, que es la mujer que representa la figura del mal por el mal mismo; que su único placer es ver mal a otros. Los criminales ciertamente no tienen éxito porque sean muy inteligentes, se asesoren bien o crean que pueden eludir las consecuencias; tienen éxito porque son malvados, porque no les importa lo que tengan que hacer para conseguir sus fines. Lo siguiente que expone Cormack McCarthy, son puras verdades que todos conocen.
19. The Master. Dirigida por Paul Thomas Anderson que toma como artificio al creador de la cienciología, Lafayette Ronald Hubbard, para contar una historia de manipulación de un espíritu destruído. Joaquín Phoenix interpreta a un soldado, cuyo estrés postraumático afecta su juicio y acciones. Phoenix recurrirá a la ayuda de un carismático escritor cuya doctrina pretende solucionar todos sus problemas. El maestro, interpretado por Philip Seymour Hoffman, pronto entabla una relación destructiva con él; a medida que los personajes intercambian experiencias, se observa que no son tan diferentes como se plantea en un principio.
- El mayor problema de The Master es que es cobarde: no se compromete con nada, no critica a nadie. Es obvio que a Anderson le dio miedo meterse con esa secta, que no quiso enfrentarse a esa figura tan manipuladora. Humaniza al monstruo sin éxito, porque Hubbard era un psicópata, solo y necesitado, pero psicópata. Ni siquiera establece un debate porque es ambigua y confusa.
- La mayor virtud de The Master es que no trata de la cienciología. Habla de la crisis espiritual de dos hombres, profundamente dañados por su circunstancia, su personalidad y sus decisiones. Son hombres temperamentales, adictos, destructivos, dispuestos a pelear por defender su pensar, profundamente solos, pero que se encuentran para consolarse, para cuidarse y abusar uno del otro. No creen en sectas: el abuso y el sometimiento viene de ellos y por ellos. No necesitan un perpetrador. Ambos esperan que sus mentiras se vuelvan verdades, uno por protección, otro por su gusto de dominar a los demás.
Sin más, mi tarea se ha complicado mas no por ello me he hartado de escribir. No me había puesto a analizar con dos argumentos las películas, si bien es una tarea ardua, es un buen ejercicio de discusión.
Cabe señalar que no he dicho que una película sea mala o buena, algunas me gustaron, otras no, pero no me inclinaré por ninguna opinión en especial. Sólo quiero que decida usted, apreciable lector.
- El lenguaje de los Machetes es la película de un individuo politizado, que no tiene idea de qué protesta y de lo que tiene qué hacer para organizarse. Es el ingenuo que no reconoce que lo es. Es un discurso inconsciente sobre el clasismo maniqueo. Ray rechaza que es una persona con dinero, pero cuando es confrontado, se refugia en su mismo entorno. Ramona, por ser pobre y de un estrato bajo, es ciertamente buena, ingenua, talentosa y protectora... es la novia abnegada que será después la madre abnegada. El final no se entiende claramente y hay una confusión entre actuar mal y ser natural de la que adolece el mal llamado nuevo cine mexicano.
- El lenguaje de los Machetes es una historia de amor, en donde dos individuos tratan de sobrevivir lo duro que es crecer, a lo duro que es llevar una relación estancada en la monotonía. Una crisis de conciencia, porque no saben qué hacer, cómo actuar, a dónde ir, pero que quieren dejar huella, trascender, conservar su amor, aunque sea con un acto sumamente destructivo.
17. El discurso del rey. De Tom Hooper. Trata sobre la historia de rey George, cuyo tartamudeo le impide hacer uso de la palabra en actos públicos. Un rey tartamudo es juzgado duramente porque podría ser considerado débil. Ante muchos remedios y técnicas que empeoran su estado, la esposa del rey contacta a un profesor peculiar: el actor retirado e incipiente terapeuta, Lionel Logue.
- El discurso del rey es básicamente Rocky. Pero en vez de pelear, vemos a un tartamudo haciendo muecas, bailes, actuaciones y diciendo groserías. Este Rocky vence su tartamudeo, lo cual ayudo mucho para la guerra con los nazis. Esto último es sarcasmo. Geoffrey Rush, que interpreta a Lionel Logue, sale de su mismo papel en todas las películas: hombre de época, con mucha clase, pero revolucionario y algo excéntrico. Sólo cambia que actúa con Colin Firth.
- El discurso del rey es una invitación a conquistar nuestros miedos, romper con los roles que nos han impuesto, luchar contra nosotros mismos, nuestro pasado, nuestra debilidad, nuestra familia, para poder ser una versión mucho más libre y mucho más honesta de nosotros mismos. La confrontación es mediante la pedagogía, pero la pedagogía presupone el conocimiento de uno mismo, con una educación liberadora, un maestro que nos apoye, no sólo con sus retos, sino con un acercamiento como persona. Tal vez, ese maestro, se convierta en nuestro amigo.
18. El abogado del crimen. Película dirigida por Riddley Scott. Narra la historia de un abogado que hace su fortuna de defender a delincuentes y capos. Pronto se ve consumido por los problemas, la maldad y el entorno de las víctimas de sus clientes. El abogado comprende, demasiado tarde, que el crimen sin consecuencias no es solo una imagen imposible, sino destructiva.
- El abogado del crimen es una película lenta, ciertamente aburrida, que no se decide por denunciar a los criminales. Por un lado, los presenta como personajes Shakesperanos, por otro lado, los presenta como villanos con pésimo gusto y algo estúpidos en su comportar y sus pasiones. Es una película fallida, de un buen director, de la cual falta ejecución y tiene actuaciones completamente olvidables. No agrega nada a la lectura del crimen organizado, es sobreexpositiva (ya sabemos que es la maldad, sabemos que hay violencia en los estados, sabemos que parte es por el gobierno) y en momentos, parece una apología a esos villanos.
- El abogado del crimen es una historia de maldad. La maldad de quien menos esperas es lo que permite el auge de una empresa tan deleznable como el crimen organizado. Hay un personaje, el de Malkina, que es la mujer que representa la figura del mal por el mal mismo; que su único placer es ver mal a otros. Los criminales ciertamente no tienen éxito porque sean muy inteligentes, se asesoren bien o crean que pueden eludir las consecuencias; tienen éxito porque son malvados, porque no les importa lo que tengan que hacer para conseguir sus fines. Lo siguiente que expone Cormack McCarthy, son puras verdades que todos conocen.
19. The Master. Dirigida por Paul Thomas Anderson que toma como artificio al creador de la cienciología, Lafayette Ronald Hubbard, para contar una historia de manipulación de un espíritu destruído. Joaquín Phoenix interpreta a un soldado, cuyo estrés postraumático afecta su juicio y acciones. Phoenix recurrirá a la ayuda de un carismático escritor cuya doctrina pretende solucionar todos sus problemas. El maestro, interpretado por Philip Seymour Hoffman, pronto entabla una relación destructiva con él; a medida que los personajes intercambian experiencias, se observa que no son tan diferentes como se plantea en un principio.
- El mayor problema de The Master es que es cobarde: no se compromete con nada, no critica a nadie. Es obvio que a Anderson le dio miedo meterse con esa secta, que no quiso enfrentarse a esa figura tan manipuladora. Humaniza al monstruo sin éxito, porque Hubbard era un psicópata, solo y necesitado, pero psicópata. Ni siquiera establece un debate porque es ambigua y confusa.
- La mayor virtud de The Master es que no trata de la cienciología. Habla de la crisis espiritual de dos hombres, profundamente dañados por su circunstancia, su personalidad y sus decisiones. Son hombres temperamentales, adictos, destructivos, dispuestos a pelear por defender su pensar, profundamente solos, pero que se encuentran para consolarse, para cuidarse y abusar uno del otro. No creen en sectas: el abuso y el sometimiento viene de ellos y por ellos. No necesitan un perpetrador. Ambos esperan que sus mentiras se vuelvan verdades, uno por protección, otro por su gusto de dominar a los demás.
Sin más, mi tarea se ha complicado mas no por ello me he hartado de escribir. No me había puesto a analizar con dos argumentos las películas, si bien es una tarea ardua, es un buen ejercicio de discusión.
Cabe señalar que no he dicho que una película sea mala o buena, algunas me gustaron, otras no, pero no me inclinaré por ninguna opinión en especial. Sólo quiero que decida usted, apreciable lector.
No hay comentarios:
Publicar un comentario